六月，间歇性阵雨。

雨毫不留情的下着。打在广场上的剪彩和假华南虎。照片退掉的颜色往下流。

仍然没有找到写文字的任何头绪写点庄学本，只是支字片语的纪录着可能写下去的字句。像药引。看照片不是科学，却被认为有着科学一般的逻辑，仍然弄不清是什么样的逻辑可以支撑六千字的论文。我只有感觉。写下的是支撑感觉的依据，归根结底——仍是感觉。

Rowing Home the Schoof-Stuff是一幅很棒的Pictorial的作品，除了它本身所拍摄的场景本身之外，因为它用白金（而不是银质试剂）冲洗的照片所呈现出的更加微细的和甚至泛出暗暗的银光的效果，还有刚好船桨恰好落在湖面上，又恰好这个瞬间船桨还没有在湖面上碰出波浪。加上本身在湖面的倒影，作品的主体部分刚好呈现出一个横放的菱形构图。镜头向右边稍侧了大概15度，而且相机本身并不是放在船的正后方，所以使整个图像构成了一个不完全对称的全景构图，也许作者觉得纯粹的对称构图有一些愚笨。这就是它拍得很棒的原因。就这么样了？居然就这么得出结论了？！然而列举的这些列举，说明的问题如下：拍摄者选取了一个“完美”的放置相机的位置，抓取了一个完美的瞬间，选取了合适的曝光时间，恰好这一切都十分协调（可能是他精心构成的结果，也可能是碰巧的杰作）；冲洗照片的人选取了能够更加细腻的展现这幅景色的合适试剂，在冲洗时设置了现在的对比，适度弱化或者强化了图片中的光影。最后，种种组合成了最终的画面。“这照片的感觉真好！”，“这照片的技术真好！”所说的都是照片，前者赞赏最后的结果，后者赞赏更多的是产生过程的那种精神。欣赏感觉还是欣赏技术？女人可能偏向前者，男人兴许偏爱后者。两者都包含了对智慧、品位、以及感受力的褒奖，智慧和品位都没有标准，感受力的强弱倒是在各处都能体现出来，尤其在作品和细微的生活细节中。就像要能够分别爱普森打印和付羽先生的手放作品的差别一样——当你凑近看前者细节，你看不到颗粒，因为构成作品的是小点或者小方块，即便不一定能看出来；后者你会看到手工的细腻，甚至也有粗糙所带来的一些转回历史的错悟。

内容，没错，首先是内容也就是想给站在照片前的人看什么——更大程度上决定了所拍摄出来的最终成果。准备做一个实验，用同一部相机，找两个人来拍摄我的房间，拍五张，不限内容。然后自己再来拍五张，再来看看结果。这兴许是所有人的所思所想的一个对比。

技术，对技术的重视考验了对作品本身和作者本身以及对自己的作品的了解，有要求和没有要求是根本不同的。我能够理解刘瑾对他的《失乐园》失望的原因，再美的裸体也经不住糟糕的影像质量，更何况是找到的裸体并不美。总结是“这哥们儿的活儿也太糙了”。扯远了。广州购书中心三楼原来的三联书店位置的摄影栏，有一本Robert Frank的《美国人》，原版。那是我第一次看到质地如此好的影像印刷，白色封面，大小也只有A4的一半，也只有一个小手指三分之一不到的厚度，我非常能理解卖400人民币的原因，如果裁下来装裱起来一定可以成为以假乱真的作品。

面对着庄学本的难题，面对着一个我还不知道这只是作为科学研究的佐证，但是最后变成那个时代的大师的作品的难题；兴许那时他已经有所意识，知道自己是大师的可能——极小——现时有的“大师”有时是用资本与权力同时供奉起来的——连与凡高同时期的批评家也没能发现那个时代最伟大的艺术家是这个少了自己一只耳朵还为自己画了自画像的苍瘪的男人。

庄所拍摄下来的人物都直视着这个“摄人魂魄”的机器，坦然而不做作。镜头后的庄学本对于镜头前的人来说是什么角色呢——端着机器的大老爷，戴着眼镜的读书人，李土司和祁土司的朋友，还是他们已经知道，庄是一名和他们一样平等的拍摄者——就像一个开了一家照相店的老板兼伙计。面对这样的人，用什么感觉来面对才可以平和。拍摄者成了谜，这个时候，倒想去迷信他拍摄的技术，至少可知，可看。感觉这东西，没法成为判决的依据。

庄在这个时代被发现，之所以被抬高不可否认他是同时代的人中的佼佼者，他的现代性，他的摩登感，即使现在兴许也不会被发现竟是70年前的研究人员的作品。他所拍摄的肖像在我这儿具有两种可能——一是作为人类学的面相及服饰研究依据的纪录，从而形成他的一种风格，既是碰巧的杰作，而现在被批评家赋予一层文字的光圈，使里面的人物从此奕奕生辉——我们和70年前的边地人们对视了；二是他一开始就有这样的意向，他知道他的控制力，就像吕楠知道他的模写对象是古典油画一般，对自己的能力具有的自信及自知是使他的作品成为“雕塑”。我倒宁愿庄属于前者，因为那意味着一个对自己的天赋不完全能掌握的人，必定在他的作品中出现神光照耀的时刻。可是对于天赋，我怎么去证明他过人的天赋还有那么幸运的结果，有结论，却没有科学依据。这事儿绝对不了。只是庄学本作为一名民族的见证着，这事儿错不了。

最后，还是回到了感觉的起点上。